古人說「文以載道」，在之前「為社會現實發聲的音樂」的文章中，也提到不少社會民主鬥士「歌以載道」的例子; 這次來簡單介紹雷鬼樂之父 : 鮑伯·馬雷 (Bob Marley)，除了用音樂改變了世界，他也是實現了音樂無國界的例子。
鮑伯·馬雷出生於1945年的牙買加，自幼因種族與膚色、以及在貧民區渡過的童年，深深了解非裔所受的迫害，從貧苦中他學會了關愛，影響他日後致力於反種族主義與社會運動的起源。
在1960年鮑伯馬雷開始了音樂生涯，將牙買加的民俗曲調SKA、南美當地的拉丁樂，融合北美的R&B，與受ROCK影響後的SKA，產生一種被稱為Rocksteady的慢拍搖滾，將這些曲風融合，產生了牙買加獨特的曲風 : 雷鬼樂(Reggae)
雷鬼樂特色在，將重音放在每個小節的二四拍、且用鼓強調第三拍，節奏一般歌曲慢，創造出和其他音樂強弱拍相反的感受。
鮑伯馬雷約於1970年代時開始活躍，將雷鬼樂從牙買加帶往歐美，造成巨大的影響，他不停的用充滿激情的靈魂之聲，唱出批判、平權、關懷等等的歌曲，一生中致力於社會運動，是牙買加的反種族鬥士。
在我們聽著音樂時，有時候會想到，在音樂背後是怎麼產生的？除了歌曲本身的創作，還有如何把這些音樂收錄下來成為一張專輯。在Chord&Major邀請創作人來分享音樂背後的故事之外，接下來也將會介紹讓音樂成形與傳播不可或缺的步驟—錄音工程，這次我們就來簡單介紹一下，什麼是錄音吧。
錄音，顧名思義就是把聲音錄下來；聲音是一種振動的聲波，將聲音轉為模擬訊號的方式記錄下來，就叫錄音。錄音大致上可分成「現場收音」及「分軌收音」；上次提到聲音檔案的解析度品質，我們以RAW和JPEG兩種檔案來做比喻，那錄音工作就像如何記錄這些影像一樣。
如果我們在陽明山拍一張雙人合照的照片，那就是「現場收音」；或者，我們是先拍一張風景照，再分別去拍兩個人的獨照，最後在PHOTOSHOP中合成一張像真的一起在陽明山上的照片，那就是「分軌收音」。
當然，照片最終也只是一張平面的照片，就算照得再有立體感、後製得像真的一樣，他還是平面的圖像，聲音其實也是一樣。
所謂的立體音「STEREO」，是一種框騙聽覺、在耳道內聽到來字四面八方的聲音的技術。他是運用兩個以上的聲道，讓音樂聽起來產生立體感，並且更能加悅耳。 一種處理方式是，現場利用多點收音，利用每一個收音麥克風產生的相位差來達到立體空間的聽覺。就像拍攝不同角度的照片，運用這些鏡頭，就能讓視覺變得立體。另一種方式則是在分軌錄音中以人工的方式製造強弱、位置等，虛擬出立體感，因為樂器的收音都是獨立的，因此可以非常精確的調整與編輯。就像後製相片時，我們可以選擇影子的位置、強弱、光線等讓相片的立體感更突出。
一直以來都有朋友來問Chord&Major，一般的MP3和CD音質有什麼差別?耳機能不能聽出MP3與無損格式的差別?音源檔的好壞對聽耳機時有什麼影響?這次的「聽．說音樂 - 生活音樂學」，我們就來談談這個問題吧。
我們先來認識一下現在常見的音訊規格，CD、MP3、與無損格式；黑膠唱片與密紋唱片(LP)在現在已不算常見，這次先不討論。
首先是現在錄音的標準媒體規格 Compact Disc(CD)。
CD是種產生於1982年的儲存數位資料的光學碟片，用一條或以上的立體聲音軌(Track)，以16位元的PCM編碼，採樣率為44.1kHz。由荷蘭的飛利浦公司與日本的Sony合作開發，之後再慢慢發展出一系列的光碟規格與產品。在這之前，音樂都是以類比訊號來儲存，如磁帶錄音帶與黑膠唱片等。
標準CD的直徑為一般為12公分，可儲存約74分鐘的音訊 (8公分可儲存20分鐘上下) 。附帶一提，現今CD音軌制定74分鐘，是因爲這能裝下當時最長的錄音《快樂頌》。據說當初飛利浦與Sony一開始都使用較小的光碟，但當時的Sony副社長大賀典雄說：「不能讓歌劇在幕中中斷，需得納入貝多芬第九交響曲。若不是使用者能接受的媒體那就沒意義。」當代已知最長演奏為德國作曲家Wilhelm Furtwängler(威廉·福特萬格勒)在1951年指揮的74分鐘版，最後唱片就定為能收納74分42秒音樂的120公釐光碟。
抗爭是為了改變，也是為了不被改變。
是為了改變結構不合理的社會，同時也是為了不讓世界改變自己。
在2014年318發起的太陽花學運即將暫告一段落，相信響在每個人心中的，是滅火器為了這次學運創作的「島嶼天光」。
每個社會運動背後，都會有著一段音樂相伴。音樂可以激勵人心、感召人力，音樂可以改變生活，將世界推向更美好的方向。
六零年代，在被稱為「中國的Bob Dylan」的李雙澤，喊出「唱出台灣自己的歌」後，他與楊弦、胡德夫共同開創了校園民歌運動的風氣。
電影中，主要的配樂以波蘭籍音樂家弗雷德里克·弗朗索瓦·蕭邦（Frédéric François Chopin）的夜曲以及敘事曲為主。夜曲(Nocturne)，具浪漫優雅的特質，通常分為三段，前段平靜，中段為情感最激昂之處，到了後段常常圍繞一股憂鬱哀傷的氛圍。敘事曲(Ballade)樂曲形式則創立於蕭邦之手，一樣有者蕭邦浪漫詩意的氛圍，但在情感的表達上更為強烈，樂段之間的張力也更為明顯。
蕭邦第20號升C小調夜曲，貫穿電影長達六年的征戰，將複雜的內心情感的轉換為細膩的音樂語法。高音部的單音劃破寂靜的黑夜，一步步徘徊於生死關頭之間，緩緩地前進，瞬地又以一連串琵音墜落出如夢的詩意，帶著觀眾走進華迪史洛·斯皮爾曼的六年逃亡歲月。
電影後半段，以情感表達更具爆發性的蕭邦敘事曲第一號G小調，作為斯皮爾曼人生中最大的轉捩點。一開始，被德國軍官所發現的斯皮爾曼，因為飢餓與害怕，顫抖著因寒冷僵硬的雙手，沉重地落下第一個樂章。琴聲充滿著怯懦與不安，彷彿獨自走在戰火餘燼的空城，嘶嘶低語的告訴這個世界，我手中的希望就像飄落的灰燼，殘破不堪。下個樂段，紅了眼眶的斯皮爾曼，潰堤的情緒在奔騰的指尖釋放，音樂情緒張力逐漸轉強，跳躍的音符逐漸加快，琴音忽大忽小忽快忽慢，猶如絕望的野獸大聲咆哮，如泣如訴地質疑不公平的絕境。蕭邦敘事曲的情感張力在此刻完全爆發。
Chord&Major推出的Major6’13 Ballad人聲調性耳機，正式上市囉!
這是Chord&Major入耳式調性耳機系列的第四作，以「有人歌唱的音樂」為考量，我們選定人聲為打造Major6’13的調性出發點，將Ballad選為「人聲調性」，力求將人聲表現得更為優美，有著細聽能打動人心的音質。因為著重在人聲上的表現，Major6’13適用於絕大部分的流行樂。
Ballad的條件為「有人歌唱的音樂」，現代「流行樂」的成就，有很大的一部分著重在歌手的歌唱表現之上。從以前的五燈獎到現在的星光大道，不難看出這種現象。
Chord&Major選擇原木為Major6’13的配色，帶有Ballad中人聲才是本質的意涵，配上簡約的霧面金屬，Major6’13帶給人清新不沉重的氛圍。
除了視覺上的清新，Major6’13的音質也最為適合樂器構成簡單的音樂、以優美嗓音為主的歌手。如同不加味精的料理，可以感受食材原味的美好。收納袋則是木吉他燙印。
什麼是「後現代搖滾」呢？後搖滾其實不難懂，它是一種搖滾音樂形式，只是用比較特殊的格式去呈現。
後搖滾英文叫 POST ROCK，POST字面上的解釋，指「衍生」的意思；當一個樂團裡的幾個人，覺得彈來彈去都是那些普遍的樂句編排，已經不能滿足；如果來點前人沒用過的表演方式，玩出新奇的曲風，是不是有意思多了。
後搖滾約發源於1980年代的歐美，芝加哥是最早的發源地。
slint樂團在1991年發行的專輯"spiderland"，據說是史上第一張後搖滾專輯，這張專輯曲風多樣，還保有人聲，但編曲的結構和音階運用已經開啟無限空間，營造的氣氛像一口新鮮空氣讓人清醒；1994年，Post rock這名詞開始出現在媒體上。
大多數的後搖滾都沒有主唱，等於抽掉了人聲，只是沒有人聲，能聽嗎？不過整首歌PLAY下來，不但能聽，好像還滿好聽的；樂器本身就是重點，少了主唱，我們能與更直接的面對音樂本身。
台灣流行樂的發展
台灣有著像英國一樣的海島地形；也有像美國一樣移民的融爐，經過西班牙、荷蘭等西方文化統治，又有半世紀的日據時代，加上清末民初的移民潮，38年國民政府來台等等；和其他的移民型國家一樣，台灣也是吸收各個不同的文化來發展出自己獨有的文化。
早在荷蘭時代，就產生了安平追想曲。日本人於大稻程成立第一家唱片公司，推動台語歌曲，此時台灣的台語歌曲帶有濃厚的日本演歌風格。後來歷經日本、國民政府的禁歌時期，台語歌曲一度進入黑暗時期。
五零年代美軍把大量美國文化帶入台灣，音樂上而且以盜版嚴重的英美歌曲為流行主軸，這時的美國歌曲也受到英國音樂入侵影響，以FOLK為主的民謠搖滾為當時的流行樂。在英美音樂薰陶下，六零年代本土創作樂壇上也涌現出了一批創新的創作者，如劉家昌等。
七零年代，在1976年楊弦、胡德夫、李雙澤喊出“唱自己的歌”，以此作為台灣民歌運動的開端。楊弦打破傳統歌謠限制，創作出更平實的曲風，運用大量的西洋樂器加入台灣國語民謠，引起樂壇巨變。專輯《中國現代民歌集》也正式標誌台灣民歌運動的開始。楊弦對七十年代音樂的執著和創新，被譽為“現代民歌之父”。
所謂的「流行樂」，即在每個時代因為文化背景、時代需求的不同，而產生符合大眾的流行音樂曲風，流行時間或長或短。在爵士樂流行之前，美國流行的是一種叫「Rig-Time」的曲風；七零年代則由雷鬼之父Bob Marley帶起雷鬼樂的流行。
而在當今歌唱選秀節目大行其道的時期，台灣現在的「流行樂」，到底是什麼曲風？一定會有人說，那就是「芭樂歌」云云吧；那所謂的「芭樂」又是怎麼來的?
其實「芭樂歌」一詞，來自於英文的「Ballad」，意指「流行抒情敘事歌」的曲風，在早期的樂譜上，也曾經清楚的註明某某歌曲是屬於Ballad曲風；後來因為音譯的關係，Ballad一詞慢慢的被引用成含有貶意的「芭樂歌」了。
敘事歌謠的起源
Ballad一詞來自於十九世紀的英國、愛爾蘭一帶，用於吟唱詩歌的民間敘事歌謠，最早是一種搭配販賣報章用、沿街哼唱的小調子。這個詞最早出現在十四世紀，歐洲的新藝術時代（Ars Nova）發展出有別於宗教聖樂的另一種音樂型態，即俗世音樂：敘事曲(Ballade)，特徵是固定的音樂形式。
最近五月天的歌曲「入陣曲」新MV內容，畫出了台灣最近的動盪，以及許多有公義紛爭的時事，引起一陣沸揚。網路上各種評議聲都有，有人認為音樂就歸音樂，不該牽涉到政治；也有人認為音樂就是該反映現實。Chord&Major在瞄一眼音樂課的期間，稍微整理了一下音樂史上比較有名的音樂人，用他們的音樂為社會發聲的事件。
美國在二零到六零這動盪的年代間，正是種族與階級民權運動發展的時間點：爵士樂之父、有「書包嘴」之稱的路易斯‧阿姆斯壯(Louis Armstrong)，在美國黑人人權運動時，全力的支持留下名演講「我有一個夢」的金恩博士。
造成「英國入侵」狂熱的披頭四成員約翰‧藍儂(John Lennon)，公開明確表示反戰的立場，以音樂和行動藝術力行，寫下Imagine、give peace a chance等反戰歌曲。
民謠搖滾巨星鮑伯‧迪倫(Bob Dylan)在六零年代為民權運動與反戰運動寫下許多歌，包括為PPM (Peter Paul & Mary)寫的Blowin' in the wind。
以及受Bob Dylan時政歌曲影響的反戰民歌皇后瓊‧拜雅(Joan Beaz)，一生致力於民運，甚至到白宮前唱歌要布希從伊拉克撤軍。
《大演歌1.0》邀請到Herb Jazz賀柏爵士樂團加入演出，讓整個大演歌的呈現更顯豐富！Herb Jazz賀伯爵士樂團，成立於1999年，是一支融合了Hiphop、House電音元素，以城市時尚音樂概念出發，是個擁有許多跨界音樂的合作經驗的爵士樂團體，然而，這次大演歌跨足多種不同樂種，也讓Herb Jazz感到既新奇又期待！這次特別邀請到賀柏爵士樂團的團長賀柏及團員們，來談談關於這次爵士樂在大演歌裡的角色和期待。
Q：可以談談這次爵士樂在大演歌裡的角色嗎？
團長賀柏：這次大演歌的演出有電音做基底，再加上爵士樂之後可以更加厚實和真實感，甚至可以有兩種節奏的互相衝擊。我們會在本來的音樂線條上，加上我們的Brass Section,薩克斯風與小號，讓音樂逐漸變華麗，讓音樂更有生命力，大致來說Herb Jazz賀柏爵士樂團在大演歌裡有兩種角色，一是襯底加強結構，二是增加音樂的華麗感和生命力。
Q：這次有即興創作的部分會怎麼與其他的樂種搭配？
團長賀柏: 在爵士樂部分，其實爵士的元素就是即興演奏。但是即興並不是一段很長的弦律，或是很多的音階，它可是一個SECTION的方式，把管樂當做伴奏樂器的方法，來增加音樂的豐富度。在聆聽、切割音樂裡面結構後，選擇我們要SOLO的部分再配合原本的和絃做即興的思考，並再套用DEMO練習的當下，利用即興的概念，把BRASS SECTION演奏出來再重新編曲，所以每次在練習都會有一些不同，但漸漸的會調整出這整個《大演歌1.0》要的味道，所以在練後的檢討也會去檢討音樂即興的風格。
《大演歌1.0》裡有一個很重要的想法，是去創造一個傳統戲曲不同的切入點，讓更多喜愛現代音樂的朋友，能夠透過不同的音樂更深入的接觸到傳統文化，因此運用了「電子音樂」這個現代味十足的切入點，藉由這種元素的出現，開啟現代人認識傳統戲曲的起點。
此次加入《大演歌1.0》的是國內知名的電子搖滾音樂創作者：Sonic Deadhorse(音速死馬)，他的作品常運用多種效果器產出前衛感的電子聲效，串流著他對音樂的熱情，引起觀眾豐富、瘋狂想像。在《大演歌1.0》裡，為了深入化傳統戲曲的元素，在電音編曲上，Sonic Deadhorse特別深入研究傳統戲曲裡的女性思維、劇情情境，以及京劇的唱腔風格，利用特殊的電子效果，將這些傳統的聲響融入整個音樂中，並且在各個樂部在融合的交界處，搭入樂器本身無法創造的現代感聲響，讓整個傳統戲曲像是穿越時空，來到這個現代化的電音party上！
Q: 請問這次大演歌DJ/電音在現場是透過什麼方式表演？
A: 這次演出我會把許多聲響做成即時操作的元素，透過我的各種器材來操控它。這次不是使用TurnTable的DJ方式，而是用laptop，比較像是電子樂LIVE的方式來搭配演出。
Q: 這次如何看待傳統戲曲與電音的結合？
